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舞院讲堂第八十六讲 “舞台歌舞艺术”系列——音乐剧纵横谈

  

 

  2017年9月20日中午,北京舞蹈学院“舞院讲堂”第八十六讲在学院综合楼6F如期举行。本次“舞院讲堂”由北京舞蹈学院舞蹈研究所与音乐剧系联合主办,邀请到国家一级编导、原武汉歌舞剧院副院长、原武汉市艺术学校校长沈承宙老师,为我校师生带来《音乐剧纵横谈》主题讲座。

  作为中国音乐剧的资深研究者与实践者,沈承宙认为中国音乐剧进入中国已经有三十多年的时间,如今随着音乐剧创作、教育的不断发展,在中国音乐剧的人才培养方面取得了长足的进步,近年来也在作品创作方面有所进展,种种迹象表明,中国音乐剧有望在未来5年内迎来一个事业的繁荣期。

  

  沈老师在20世纪80年代初赴美之后,对美国音乐剧进行了全面的了解与研究,他在向国内译介美国音乐剧的过程中,首次将“musical”译为“音乐剧”,逐步奠定了中国观众对这一艺术形式的观念。他认为中国音乐剧在数十年的发展中可以按照三个阶段来进行宏观把握:第一个阶段(20世纪80-90年代)主要是以现实题材创作为主;第二个阶段(20世纪90年代到20世纪末)则以音乐剧人才的培养为主要标志,这一时期的创作趋势倾向于大型作品;第三个阶段(21世纪以来)在作品创作的方面,中小型音乐剧逐渐增多。

 

  

  

  就美国音乐剧而言,沈老师认为最值得我们重视的是其本土化的创作方向与平民化的内在精神。相比于欧洲古典歌剧,美国音乐剧在作曲、演唱方面都不再延续贵族化的审美取向,而是努力让音乐剧中的经典唱段成为脍炙人口、能够为普通观众所传唱的曲目。与此同时,美国音乐剧在剧情与人物方面也都更加青睐“小人物”和普通人的故事,即便是改编自其他国家和民族的故事,也大都将故事背景迁移到美国本土。这种“本土化”与“平民化”既是美国音乐剧在选材与创作方面的特点,也是其广泛传播并获得广阔市场的重要原因。

 

  

 

  在谈及音乐剧的创作时,沈老师坦言“流水线”式的创作方式并不适合音乐剧这类高度综合的艺术形式,相比之下,团队合作的共同创作方式更容易激发创作者们的灵感,达到互相补足,彼此激发的效果。随着音乐剧在中国的进一步发展,“民族化”的问题也越来越引起从业者们的关注。沈老师认为,中国未来音乐剧的“内生动力”将重点依托中国传统资源,特别是戏曲艺术的形态资源和民族文化历史的题材资源。目前,已经有不少优秀的音乐剧人开始尝试将中国传统戏曲与音乐剧进行结合,希望年轻的艺术家们通过西方音乐剧的舞台形式吸收与激活传统戏曲中的舞台精华,创造属于中国的音乐剧形式。

 

  

 

  (舞蹈研究所 音乐剧系 文/闫桢桢 图/金浩)

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